Text – Emanuel Heim

Texte in Deutsch

Ausstellungstext von der Kuratorin Dr* Karin Mairitsch zur Einzelausstellung
«IMMERFORT – Der Mensch als Beziehung»
18.05.2022 – 09.07.2022
Galerie im Theater, Kultur 123, Rüsselsheim am Main

IMMERFORT zeigt Mensch. IMMERFORT in Beziehung. IMMERFORT vom Selbst zum Du zum Uns. Mittendrin. Ein- und Durchsichten.

»IMMERFORT – Der Mensch als Beziehung« präsentiert sich als malerisches Bekenntnis zum Humanum und hinterlässt den Eindruck eines visuellen Plädoyers, das eindrücklicher nicht sein könnte: Mensch, bleib in Beziehung (!) – mit dir selbst, deinen Mitmenschen und der Umwelt, so scheint die Einladung des jungen Künstlers an uns Betrachter*innen zu ergehen.

Emanuel Heims in der Galerie im Theater Rüsselsheim ausgestelltes Œuvre umfasst 50 Werke in Öl auf Leinwand, die in den Jahren 2019 bis 2022 gefertigt wurden. Den überwiegenden Teil seiner Arbeiten realisiert Heim großformatig (über einen Meter). Kennzeichnend für Heim sind seine prägnant mutige Farbigkeit und die souveräne gestische Handschrift, mit der er an der schwimmenden Grenze zwischen expressiv figuralen bzw. naturalen Darstellungen und der Entgleisung von Gegenständlichkeit hin zu abstrakt räumlichen Kontexten, Flächen und Formen operiert.

Motivisch steht für Heim der Mensch im Mittelpunkt, wie er in seiner Suche nach sich selbst auch um Gemeinschaft ringt und wie er sich in einer Welt verortet, die mit der Natur ebenso verbunden ist wie mit architektonischen Szenerien oder geometrischen Formen und Artefakten. Auffallend ist dabei die sowohl malerische als auch motivische Entwicklung, die Heim vollzog: während es sich bei Werken um 2020 und früher zumeist um Porträts handelt, die in nahezu expressionistischer Tradition mit wilder Strichführung und greller Farbigkeit auf den Bildgrund geflossen sind (z.B. »In der Familie«, »In der Wüste II«, »Im Kopf I«), geraten die Antlitze ab 2020 bis ins 2021 hinein zusehends in Bewegung. Da lösen sich in großzüger Spachtel- und Maltechnik manche Gesichtszüge und -teile auf (z.B. »Im Feuer«, »Harlekin«, »Porträt eines Unbekannten«), da finden sich Figuren in fantasievollen bis naturgebundenen Umgebungskontexten (z.B. »Der weiße Strand«, »Die Suche«, »Die Werkstatt«, »Nachts im Atelier«), da scheinen Figur und Grund, Inhalt und Form, Bewegung und Stille ineinander zu fließen.

Konsequent setzt Heim diesen Prozess fort. Der diesbezügliche Wendepunkt in seinem Schaffen scheint das Werk »Ikarus« zu sein. So wie Ikarus mit den Flügeln des Dädalus zu hoch flog und damit das Wachs, mit dem die Federn der Flügel befestigt waren, durch die Hitze der Sonne schmolz, woraufhin Ikarus ins Meer stürzte, so ähnlich setzt Heim den Menschen seinem Werdungsprozess aus und lässt ihn in Licht, Formen, Farben, Strukturen, Emotionen und Formationen aufgehen. Anders gesagt: Heim realisiert mit »Ikarus« den sich auflösenden Seinszustand des Menschen, jenen Zustand, der durch Bewegung zur Entkörperlichung und damit in einen übergeordneten Fluss kommt, bis er schließlich im Großen und Ganzen seiner ihn umgebenden Mitwelt als reine Schwingung fortlebt.

Das bedeutet: im Repertoire von Heim ist fortan zwar die Absenz des Menschen evident, doch wird gerade wegen dieser Abwesenheit des Menschen als leitgebendes Bildmotiv dieser umso präsenter. Besonders in den Arbeiten aus dem Jahr 2022 (z.B. »Die Ankunft«, »Im Austausch«, »Der Strauß«) mit Vorboten aus dem Jahr 2021 (z.B. »Die Stromschnelle«, »Der Übergang«, »Der Eingriff«) erkennen wir in seinen Bildern die kompositorisch geschickt inszenierte Mitte, um die sich durch Formen, Geometrien, Muster und Perspektive so eine Art Sog entwickelt, der uns als Betrachter*innen unwillkürlich hineinzieht und unseren, im wahrsten Sinne des Wortes »Zugang zum Bild« in der bunten Welt und erzählerischen Subtilität Heims verortet. Auf diese Weise werden wir Teil der Erzählung, die sich im Bild entfaltet, und Teil der Beziehung, die Heims Bilder knüpfen. Dazu geben die Bildtitel wichtige Hinweise.

Im Foyer rechts beginnt der Ausstellungsrundgang mit dem Thema »Menschen-Selbst« und zeigt Einzel-Porträts, wie sie in expressiver Manier und ausgeprägtem Duktus den Menschen als fühlendes Wesen in eine bestimmte Umgebung (siehe Titel) setzen.

Im Rang rechts – um den Rundgang in richtiger Reihenfolge zu vollziehen – wird unter dem Subtitel »Hin zu Dir« der Mensch als soziales Wesen angesprochen, wie er sich in Beziehung begibt und – formal repräsentiert durch die Auflösung von Gesichtszügen – einen Teil seiner selbst zugunsten des Dialoges mit Anderen auflöst.

Im Rang Mitte geschieht der vorhin beschriebene Wendepunkt (Ikarus) unter dem Raumkonzept »Frei für uns«. Hier finden sich jene Exponate, die den Weg für die Befreiung des Menschen aus seinem, vielleicht narzistischen Selbst ebnen und ihn langsam zum Teil des Ganzen machen, ihn seiner in sich geschlossenen Welt entreißen, ihn in Beziehung zu alles und jeden setzen.

Im Rang links unter dem Subtitel »Mittendrin bewegt« sind wir als Betrachter*innen aufgefordert, uns in den Fluss der Formen, Farben, Perspektiven und Flächen zu begeben, um uns in einem sinnlichen Erlebnis inmitten der fantasievollen Welt Heims widerzufinden.

Dies führt uns im Foyer links zu »Ein- und Durchsichten«, welche durch die »räumliche, mehrschichtige Tiefenwirkung zwischen natürlich Gewachsenem und vom Menschen Erschaffenem« (Michael Sutter, 2022) eine atmosphärische Idee des Menschen in seiner vollständig eingebetteten und in der Welt behüteten Existenz gibt.

Malerische Zustände des Seins

Einführungstext Publikation Emanuel Heim
Arbeiten von 2019 bis 2022
Autor: Michael Sutter / Kunsthistoriker / Leitung Kunsthalle Luzern
Februar 2022

Emanuel Heim ist ein multiperspektivischer Beobachter. Er versteht es, in seiner Malerei atmosphärische Stimmungen aufzubauen, ist stets dem Menschen und der Natur nahe und regt die Betrachtenden dazu an, in die Gedankenwelt des Dargestellten einzutauchen. Er widmet sich in seiner künstlerischen Arbeit der prozesshaften Auseinandersetzung mit Malerei und entwickelt dabei direkt auf der Leinwand ein mehrschichtiges Zusammenspiel von Farben, Formen und Flächen. Das Resultat ist eine expressiv-gestische Malerei, deren wechselnde Intensität an Dichte und Farbigkeit auf dem Malgrund variiert und mit dem Kippmoment zwischen Abstraktion und Gegenständlichkeit und mit unserem visuellen Verständnis von Landschaft spielt.

Motivisch orientiert sich Emanuel Heim an seinem vielseitigen Interesse für das menschliche Dasein. Er hält mögliche Zustände von Existenz – gerne auch mittels Selbstportraits – fest und verortet diese in abstrakte Bildräume. Auffallend ist seine markante Strichführung bei der malerischen Wiedergabe von menschlichem Antlitz in seinen Werken; die Gesichter der Gemalten zeugen von einem dynamischen Farbauftrag, der phasenweise bis zur Auflösung der Gesichtszüge führt und eine Ambivalenz zwischen Männlichkeit und Weiblichkeit thematisiert. Man spürt in den Bildern regelrecht die Auseinandersetzung des Künstlers mit seinem Gegenüber und sein Interesse für verschiedene Zustandsformen, die oftmals in der Titulierung der Werke angedeutet werden, wie zum Beispiel «Die Reise», «Im Austausch», «Die Überquerung», «In der Tiefe», «Unter Freunden». Die darin verwendeten Präpositionen verweisen auf bestimmte Beziehungen und geben ein räumliches, zeitliches und relationales Verhältnis an. Dies impliziert wiederum, dass Emanuel Heim in seinen Werken bestimmte Vorgänge malerisch festzuhalten und visualisieren versucht. Vielleicht geht er gar soweit, dass er gedankliche Zustände bildhaft darstellt. Inspiriert wird er durch das alltägliche Geschehen aus seinem Umfeld und orientiert sich an Erinnerungen, die er auch gerne mit träumerischen Inhalten kombiniert. Dabei hat Emanuel Heim eine visuelle Ausrichtung, die ihn intuitiv durch seine Werke lenkt und das Bildthema während des Schaffensprozesses entstehen lässt. Auch die Natur dient ihm als Inspirationsquelle; insbesondere die charakteristische Ästhetik von unscheinbaren Dingen haben es dem Künstler angetan. So finden vor allem natürlich gewachsene Strukturen und Musterungen – von Rinden, Flechten, Steinen, Knochen etc. – eine wiederkehrende, malerische Anwendung in seinen Bildern. Als visuellen Kontrapunkt zu den weichen Linien und Kanten setzt Emanuel Heim teilweise architektonisch anmutende Gebilde in die Szenerie seiner Gemälde, wobei eine räumliche, mehrschichtige Tiefenwirkung angedeutet wird. Die geometrischen Elemente bilden zudem einen inhaltlichen Kontrast zwischen natürlich Gewachsenem und vom Menschen Geschaffenem. Damit verweist Emanuel Heim auf das ambivalente Verhältnis von Mensch und Natur, wobei er selbst den Menschen als ebenbürtiger Teil des ganzen natürlichen Systems betrachtet.

Emanuel Heim hat seine malerische Arbeit in den letzten Jahren stetig weiterentwickelt und vereint innerhalb dieser Publikation eine Auswahl an Werken von 2019 bis 2022. Die chronologische Zusammenstellung zeigt seine suchende Auseinandersetzung mit Form und Inhalt. Hält er sich anfänglich noch stark an menschliche Gesichtszüge und erkennbare Gebilde, löst er sich bisweilen von der markanten Strichführung und wird in seiner malerischen Geste zunehmend abstrakter, was phasenweise – vor allem in den jüngeren Arbeiten – zu einer regelrechten Auflösung beziehungsweise einer opulenten Vermischung der Bildinhalte führt. Emanuel Heim hat sich über die letzten Jahre ein reichhaltiges Repertoire an malerischen Elementen und technischen Fertigkeiten angelegt, die er kontinuierlich fortentwickelt und verdichtet.

Muster im Fluss: Über die Malerei von Emanuel Heim
Text von Bryony Dawson, Künstlerin und Schriftstellerin
2024

Emanuel Heim interessiert sich nicht für statische Dinge, sondern für die Fähigkeit der Malerei, veränderliche Stimmungen und das ständige Fließen des Bewusstseins einzufangen. Die unerwarteten Rhythmen der Musik, das Auf und Ab von Gesprächen, die Subjektivität der Zeit – all das sind wichtige Einflüsse auf die Energie seiner Werke. Mit ihren verschlungenen, lebendigen Kompositionen inszenieren seine Gemälde unruhige Gegensätze zwischen Abstraktion und Figuration, Raum und Oberfläche, Freiheit und Kontrolle.

Heim beginnt oft ein Gemälde, ohne eine klare Vorstellung davon zu haben, wo es enden wird. Mit großen, intuitiven Gesten improvisierend, bewegt er die Farbe so lange, bis eine Komposition Gestalt annimmt. Von dort aus collagiert er Fragmente aus Erinnerungen, Träumen und inszenierten Bildern, um illusionäre Räume zu schaffen, in denen die Unterscheidungen zwischen Oberfläche, Tiefe und Schwerkraft sich auflösen. In seinen Porträts versucht Heim, eine Zeitspanne darzustellen, anstatt ein einzelnes „Schnappschuss“-Bild. Er lädt Freunde ein, in seinem Atelier für ein Porträt zu sitzen, und kleidet sie manchmal in seine eigenen bunt gemusterten Kleidungsstücke, um kontrastierende Texturen einzubringen. Halb kollidierend, halb verschmelzend mit diesen Mustern scheinen Heims Subjekte an der Schwelle zu stehen, mit ihrer Umgebung zu vereinen, während diese selbst sich ausdehnt und in lockere, abstrakte Details zerfällt. Ein wiederkehrendes Merkmal sind die konzentrischen Farbringe, die sich über so viele seiner Leinwände ziehen. Sie erinnern an dünn geschnittene Bonbonscheiben, verzerrte Rauchringe oder spiralförmige Portale zu einem anderen Bild. Sie stören die räumliche Logik, indem sie sich manchmal um die Gliedmaßen einer Figur winden oder scheinbar auf einer völlig anderen Ebene durch das Bild gleiten. Sind sie Manifestationen irgendeines unsichtbaren Phänomens, wie etwa der musikalischen Noten, die ein Protagonist auf seiner Gitarre spielt? Oder etwas noch weniger Greifbares, etwas Undefinierbares, das wir oft, mangels eines besseren Wortes, als „Vibe“ bezeichnen?

Der Einfluss der Musik zeigt sich deutlich in der dynamischen Farbpalette und der rhythmischen Strukturierung des Raums in Heims Arbeiten. Der Gitarrist ist ein wiederkehrender Protagonist in seinen Porträts – ein Jazzmusiker, der Heim manchmal im Atelier besucht, um zu komponieren und zu üben. Diese beiden komplementären Zustände – Komposition und Übung – bieten eine interessante Metapher für eine jüngste Veränderung in Heims Ansatz. In einer Phase des Übergangs und der Reflexion hat Heim begonnen, auf der improvisatorischen Natur seiner früheren Werke aufzubauen, indem er neue Aufmerksamkeit auf die nuancierten Stadien seines Prozesses richtet. Während „Komposition“ freies Experimentieren und ungebundene Aufmerksamkeit erfordert, impliziert „Üben“ hingegen disziplinierte Wiederholung und Konzentration. Diese gegensätzlichen Geisteszustände koexistieren und ergänzen sich in Heims Werk: Das Malen von sich wiederholenden Mustern erfordert eine gewisse Beharrlichkeit und Kontrolle – ein Kontrapunkt, der die freie, lockere Mentalität der improvisierten Abstraktion ausbalanciert.

Werke wie „Im Wind“ und „Im Nebel“ verdeutlichen das Interesse des Künstlers an der Koexistenz mentaler Zustände und zeitlicher Veränderungen. In diesen Szenen scheinen Bäume und Wälder vollständig in wirbelnden Nebel eingehüllt zu sein; die robuste Wiederholung der vertikalen Baumstämme gibt der Komposition ein Gefühl von Stabilität, während die zarten Farbsträhnen die Szenerie mit einer geisterhaften, flüchtigen Atmosphäre durchfluten. Doch es stellt sich die Frage, welches Element mehr vom anderen abhängt. Gibt der Wald dem Wind Struktur, oder ist es der Wind, der den Wald zusammenhält? Vielleicht liegt diese Frage im Kern vieler von Heims Gemälden, in denen die Beziehung zwischen Stillstand und Bewegung, Raum und Oberfläche eine sich ständig verändernde Ko-Abhängigkeit darstellt, und in denen die Zeit selbst ein strukturiertes, gewebtes Etwas ist.